El florero de Llorente revisado

18 artistas se avocan a la reinterpretación y resemantización del florero de Llorente a través de una interesante convocatoria hecha por el amigo y colega Germán Jiménez Pinilla* y la Corporación Recreativa y Cultural de Santander, es un "Homenaje REGIONAL al Bicentenario de Colombia", en el que se ha propuesto la interpretación plástica del objeto histórico colombiano florero de Llorente. Los artistas harán distintas lecturas de este objeto, de su carga simbólica tejida por los hilos de la historia, desde la estética actual, para sembrar en él una planta: la de la reflexión. El texto del catálogo lo inicia de manera contundente Freddy Suárez con la siguiente frase:"Toda fecha conmemorativa conlleva a recordar el pasado para proyectar el futuro", con ello queda claro que la historia no es un lugar en el pasado sino un cruce de caminos donde los tres tiempos confluyen. Nuestro lugar en la contemporaneidad es transitar ese camino para ver y construir un paisaje completo, en toda su extensión. Algo significativo, que deseo subrayar, es que la convocatoria cruzó la frontera e invitó a algunos artistas venezolanos (del Táchira) para ampliar o incluir la mirada que viene desde "afuera". Este gesto fraterno y cordial se agradece porque aunque el episodio del florero es propiamente colombiano, la independencia de nuestros paises fue casi la misma pues compartíamos al mismo opresor. Como artista venezolano y en nombre del grupo invitado (Annie Vásquez, Rafael Sánchez y Freddy Pereyra) agradezco la posibilidad de esta mirada, de este compartir histórico para como bien lo señala Germán Jiménez en el texto de presentación del catálogo:"...cruzar fronteras visibles, vencibles e invisibles" *Organizador del evento y diseñador del afiche que inicia esta entrada.

de izquierda a derecha obras de: Annie Vásquez, Oscuraldo y Rafael Sánchez. Artistas venezolanos invitados a la interpretación plástica del florero de Llorente.

Salón Mire 3era Edición

El Salón Metropolitano de Artes Visuales celebró en septiembre de este año su tercera edición, inaugurado en la Casa de la Cultura Piedra del Sol en Floridablanca y planteándose una itinerancia por varios municipios santandereanos. Esta es de las iniciativas que uno admira porque se construyen desde la pasión, son las ganas de hacer sin importar cuan alta sea la muralla a saltar para llevarlas a cabo. Sin una infraestructura museística, adecuando un lugar (la casa de la Cultura), ampliando las posibilidades de lo contemporáneo a lo alternativo, a lo municipal. Hay que subrayar el concepto municipal, si bien las capitales se roban las miradas y parecen hegemonizar lo artístico-expositivo, haciendo eco disminuido en las capitales de provincia y olvidándose de lo municipal que termina siendo un desierto donde los ojos solo consiguen atrapar la arena en el viento. El Salón MIRE con una 3era edición nos demuestra lo contrario y no solo tiene meritos por hacer de tripas corazón sino por lograr una muestra con riqueza de lenguajes y obras de gran factura que para mayor valía se alimentan y reflejan lo local, atendiendo a esa convocatoria tan pertinente como lo es: Memoria, identidad y región. Sin duda este es un camino acertado, tanto en lo temático; que amplía la mirada local sin que lo universal se fugue, como en lo político-cultural que atiende lo municipal no porque hay que hacer por hacer sino porque se cree firmemente en ello y además con un lazo afectivo de por medio. Pareciera un evento sumamente focalizado pero al invitar a un par de artistas de la frontera Venezolana se entiende que el espectro de lo municipal es expansivo. El amigo y artista Miguel Ángel Gelvez nos ha invitado a esta edición y le agradezco a él así como a Gerardo Duque y a Henry Olarte (artistas y organizadores) la oportunidad de acercarme a esta iniciativa ejemplar, es de las cosas que merecen ser copiadas o readaptadas a otros municipios porque si bien los centros están lejos de perder su hegemonía, lo periférico no tiene porqué invisibilizarse. Se trata de generar lo alternativo, lo alternativo conlleva a lo profundo y la profundidad hace grande a un país.

Titulo: Vasija de barro / 2012 / arcilla sobre lienzo / instalación para el 3er Salón MIRE

El Teórico

Estaba pensando que el dominio de una técnica y la sensibilidad artística son frutos exquisitos que solo pueden ser cosechados si se cultivan durante años, después de haber estado a la intemperie, comido sol y tierra, bebido lluvias, soportado tormentas y sobrevivido a sequías. Tan difícil es el asunto que hay quienes dedican su vida a ello y no por la mera dedicación logran semejante cosecha, lo que implica variables extrañas de procedencia desconocida como la gracia, la inspiración o la genialidad. Este pensamiento fue interrumpido por el sonido del timbre. Abrí la puerta, nos saludamos y comenzamos la conversa. Yo hablaba mucho con ella sobre sus experiencias universitarias, venía a mi taller y mientras yo trabajaba ella hablaba de los trabajos y las investigaciones en las que se ocupaba, de los autores y libros que le mandaban a leer y siempre resultaba para mi una experiencia nutritiva intelectualmente, porque mi amiga era generosa con los detalles y la información. Un día me contó de un profesor admirado por todos, una de esas eminencias que toda facultad tiene o debe tener, un hombre que había dedicado su vida al conocimiento teórico y como buen profesor se mantenía actualizado en su área. Su cátedra: la estética. Era un hombre que vivía observando y analizando, viajaba a otros países para ver exposiciones de arte importantes y asistir a seminarios, talleres, etc. Un día mientras acompañaba a mi amiga a la universidad me mostró al famoso y distinguido profesor. El señor venía por el pasillo con un séquito de estudiantes que lo asediaban como moscas, esto no es tan extraño en los ambientes universitarios, supongo que la luz del conocimiento atrae igualmente a ciertos insectos como lo hace la luz de la lámpara. Pasaron un par de años, mi amiga se graduó, dejé de verla por un tiempo y hace unas semanas apareció con una invitación a un festival de arte contemporáneo, yo acepté con gusto. El festival tenía para ella un atractivo especial, su antiguo profesor se presentaba con un espectáculo de arte accional, el hombre que conocía los pormenores teóricos del arte había decidido hacer arte; ser artista. Esto también resultó despertando en mi gran expectativa. Estuve empatizando con el personaje en cuestión y pensé que debe ser realmente difícil pasarse la vida estudiando algo a fondo y no poder imbuirse en ello, ya que el lugar del investigador suele ser desde fuera para poder tener perspectiva, pocas veces es desde dentro ya que se nubla el juicio debido a que entra en juego el “yo” en el que suelen regodearse los artistas, estos últimos se zambullen en el arte y la gran mayoría habla del aspecto dionisíaco o de conexión con lo divino, de un algo inefable, de una inspiración, algunos de posesión, tormento, pasión, locura o un “no sé que”, que solo es posible en la praxis. Llegamos a la hora de la presentación esperando la gran propuesta, el gran despliegue artístico que este ilustre nos iba a ofrecer… el momento llegó. El hombre salió a escena, realizó algunos movimientos torpes y dijo algunas cosas sin saber proyectar la voz, al terminar mi amiga volteó a mirarme un tanto ofuscada, su mirada era más bien una pregunta, yo le respondí: _nunca había visto algo tan ridículo. Mi amiga sintió pena ajena y no entendía como alguien que sabe tanto podía haber consumado semejante bodrio. Los aplausos no se hicieron esperar, un grupo gritaba enardecido, volteé para ver quienes eran y vi que eran del séquito universitario. Miré como el pobre hombre se sentía realizado ante el aplauso ciego de sus fans. Luego pregunté entre varios artistas (personas dedicadas al ejercicio artístico durante varios años)que se encontraban entre los espectadores y todos coincidían unánimemente en que aquello era una vergüenza, lo peor de todo era que nadie sería capaz de decírselo. Esto me dejó pensando durante varios días en el abismo oscuro que separa teoría de praxis, sé que es posible tender un puente pero este solo podrán cruzarlo los que estén dispuestos a dejar atrás el lado que abandonan, parece una lógica irreductible pero supongo que también es posible que algunos se queden a vivir en medio del puente y las aberraciones también deben ser consideradas. Lo que les acabo de contar supongo, es un ejemplo de aberración, este individuo no es de los que acampan en el puente, es de los que cuelgan de una mano con los pies en el vacío creyéndose malabaristas cuando solo son patéticos aprendices de suicida.

Del arte contemporáneo y su adicción a las exégesis

El otro día supe de una exposición de arte contemporáneo que se realizaría en un museo muy reconocido y que estaba a cargo de un curador igualmente reconocido. La exposición se publicitaba como algo hipernovedoso, la vendían como lo último en arte hiperconceptual, la muestra se titulaba: “Arte inmaterial” y se subtitulaba: “fenomenología de lo que no es”, con nombres así es bastante obvio que lo que se va a ver no es convencional. Dicho curador se había hecho famoso curando exposiciones donde no había obras de arte, en lugar de obras las personas podían ir a escuchar conferencias sobre la contemporaneidad dictadas por este curador y algunos amigos suyos también curadores reconocidos. Estas conferencias eran muy bien reseñadas por los medios especializados y muy mal entendidas por el público en general, los que si las aplaudían con fervor eran los estudiantes universitarios de la facultad de arte donde este curador daba clases. Antes de asistir a la exposición busqué en internet algunos textos críticos de este curador y vi que su discurso iba mucho más allá del análisis plástico formal, más allá de lo semántico e incluso más allá de lo filosófico, leerlo era como ver un cuadro de Pollock, aunque debajo de toda la terminología rimbombante y las redacciones imbricadas podía percibirse con claridad una oscuridad insondable y eso llamó mi atención. Entonces llegó el día y me dispuse a ir a ver la muestra, dejé pasar la hora para llegar después de la inauguración y saltarme la de relaciones sociales que suelen armarse en esos eventos que poco o nada tienen que ver con arte, no es que estén mal, porque es un momento para encontrarse con amigos y artistas y escuchar o participar en unas cuantas conversaciones interesantes, pero ese día yo quería enfrentarme a las obras, tenía sed de arte y mi humor social estaba apático. Salí de mi casa y me dirigí al museo con tranquilidad, disfrutando de la brisa y el atardecer, haciendo tiempo para que el gentío menguara. Estaba a escasos metros de la puerta del museo cuando me conseguí a un amigo que venía de la exposición, traía cara de malas pulgas y vino directo hacia mi, nos saludamos y le hice la inevitable pregunta: ¿Qué tal la exposición? Este amigo es artista y conversamos mucho sobre arte, sé que tiene un criterio y una sensibilidad muy bien formadas, pulidas por décadas de oficio y experiencias, su opinión definitivamente tenía mi respeto. Contestó a mi pregunta de la siguiente manera: _No hay obras, hay intenciones de hacer algo, esas intenciones están muy pero muy bien argumentadas y eso, que es nada; es todo. Mas claro no podía ser, pero quise escucharlo explayándose y le pregunté: _¿Cómo, no entiendo? _Bueno…una de las obras es un clavo puesto en la pared del que cuelga un trozo de hilo, otra es un kit de pinceles recién comprados, otra es un estante con tarros de pintura vacíos, otra es una formación caprichosa de parafina producto de una vela que dejaron encendida, otra es la ropa curtida, manchada y sucia de un pintor, otra es un catálogo de colores de esos que dan en las tiendas de pintura, otra es un montón de tierra y hay una que es un cuarto oscuro donde puedes encerrarte y no ver absolutamente nada. _ Una que otra pareciera tener posibilidades poéticas. _El problema no es la fatuidad ni el facilismo, lo que me irritó al punto de la exacerbación es que junto a cada obra hay dos cuartillas de texto perfectamente ampliadas, gigantografías, donde cada artista se explaya en explicaciones muy detalladas de las obras que van a realizar, al punto de ilustrarnos en el cómo, cuándo, dónde y porqué. _Que mierda… (susurré) _¡Que cagada, querrás decir! Estos hijos de p!!! Quieren asesinar la imaginación, hablan de reflexión pero no nos dejan reflexionar, se creen los dueños de la idea y no siendo eso suficiente se creen dueños de las conclusiones, la madre que los parió ¡¡¡%$çÑ)/#]X}&ç?¿%K$!!çÑ)/#[X}&ç?^%!!!... Mi amigo se fue refunfuñando y maldiciendo, ni siquiera se despidió, lo vi alejarse… luego me encontré frente a un museo al cual no quería entrar, sin embargo la sed de arte no se me había pasado, por suerte recordé que esa noche había un concierto de guitarra y mientras me dirigía al concierto pensaba en que los músicos entregan sus obras al público con la mejor ejecución posible y no suelen acompañarlas con exégesis verborreicas sobre lo que las piezas deberían suscitar porqué para los melómanos simplemente esas explicaciones no son necesarias, para nada se requieren.

Brillo en la oscurana

En el mes de mayo y como parte de un evento titulado "Proyecto Luz", desarrollado por los artistas Carmen Ludene y Denis Pabón y realizado en los espacios del MAVET para celebrar el día del artista plástico, fui invitado a participar con una instalación que estuviese relacionada con este elemento o fenómeno que da origen a los colores, a la visión y al arte mismo: La luz. La obra se tituló "Brillo en la oscurana". Instalación de aspecto caótico, donde se planteó la creación de una especie de laboratorio en ruinas o un descuidado y polvoriento taller, donde un extraño ser intentaba llevar a cabo una empresa de proporciones utópicas, a continuación escribo el texto que acompañaba la propuesta y algunas imágenes del montaje:

Un conjunto pétreo deja en evidencia un esfuerzo infructuoso, una imagen propia del mito de las gorgonas, más especialmente del arquetipo medusa, lúgubre, patética y densa, del conjunto puede deducirse que algo angustioso y obsesivo se produce. Un ovoide, símbolo alquímico del mundo (lingam para los hinduistas) es el centro del conjunto, representa en si mismo el ser que anhela superar su condición, es su propia transmutación la que está en juego, la luz que emana de él se traduce como rayo de esperanza; luz- éxito, luz-vocación, luz-entendimiento. Este ser desafía su propia naturaleza, va en contra de la lógica, se ha olvidado del mundo, ha descuidado su realidad para vaciarse en el sueño, desbordarse en la realización de la idea, es una alegoría al empecinamiento, a la persistencia que no conoce de límites, es en última instancia una metáfora sublime, donde en medio de la oscurana (su naturaleza), en medio de la pesadez (el ambiente), por encima de la naturaleza protoplásmica (la materia) un rayo de luz surge de un ser cuya naturaleza no es lumínica, esta osadía es la coyuntura principal de la propuesta, es la capacidad de cambio inadvertida en cierto elemento que pudiésemos considerar estático a sabiendas de la dinámica que rige todas las cosas. Esta visión deviene autocrítica, generando la posibilidad de ser parte del denso conjunto y elaborar interrogantes fundamentales como: ¿si puede transmutar una piedra por qué no podría hacerlo yo?

El concepto iluminación desde lo divino, mágico o religioso no está excluido. En un sistema deprimente y llevado al extremo donde el caos impera y las esperanzas suelen sucumbir, un iluminado puede emerger de las profundidades de esas mismas tinieblas como resultado lógico de la ley de equilibrio universal, es un compensar de fuerzas contrarias natural a todo sistema dinámico del universo. Los puntos contrarios o antagónicos están claramente definidos: materia-cemento sinónimo de densidad y/o pesadez, luz-inmaterialidad sinónimo de elevación y/o ingravidez.

Todo el conjunto involucra la introspección, ese adentrarse en la caverna de uno mismo, en sus propias oscuridades como vía para encontrar la luz, esa que deviene entendimiento y que solo se obtiene con grandes esfuerzos.

Conéctate y convive 2012 breve reflexión

El 22, 23 y 24 de marzo se realizó el evento artístico "Conéctate y convive", en la Universidad Católica del Táchira. Este año arribó a su 3era edición. El evento se ha consolidado rápidamente y entre las razones fundamentales, además del buen desempeño de sus organizadores, resalta la necesidad primordial entre los artistas de todas las disciplinas de mostrar y confrontar su trabajo ante el público y ante la diversidad de propuestas que se generan en la ciudad. El eclecticismo impera, pintores de caballete a la vieja usanza trabajan junto a los colectivos de grafiteros que a su vez forman parte de la cultura hip hop, podemos ver en una misma tarima y en una misma noche un conjunto coral y una banda de death metal, fotografía, danza, circo y poesía también se dan cita. Espacios culturales como estos oxigenan la deprimida escena cultural de la región, le inyectan vida, la rejuvenecen. Un agregado importantísimo en esta edición fue el tema (la frontera), que si bien se pretendió que el evento fuera temático desde la 1era edición, es en esta oportunidad cuando se pudo hacer sentir con fuerza el concepto "frontera" y es maravilloso ver como la comunidad artística hace lecturas de su contexto, de su territorio, dándole mayor sentido a sus expresiones y liberándolas un tanto de los paradigmas globales, generando una conciencia artística diferente, más profunda y necesaria, un aspecto que debe seguirse cultivando sin lugar a dudas. Es de analizar el que este espacio sea generado por los mismos artistas (los organizadores lo son), la pregunta es ¿Por qué a las instituciones “culturales” no se les ocurre generar eventos de este tipo que suponen un compromiso con la ciudad y con el arte que deben promover? seguramente la respuesta sería la eterna escases de presupuesto, que entra en contradicción con el aumento de la burocracia lo que significa que el dinero destinado a la cultura es para pagar burócratas y no para artistas, una paradoja evidente y patética. Los artistas siguen demostrando que el amor al arte es lo que los mueve porque todos se presentan por una simple necesidad de expresión y eso nos plantea interrogantes como: ¿tiene futuro el arte en la región? y ¿podrán alcanzar niveles de excelencia haciéndolo de esta manera?...toda una utopía...
Los organizadores en un acto de fe y honestidad reconocieron la participación de los artistas como la mayor inversión monetaria para que este se diera, incluso más que la empresa privada... ¿Aún existirá la filántropía entre los capitalistas?...lo dudo...pero lo que si es seguro es que en una sociedad tan devaluada en valores y tan carente de sensatez, los artistas, esa minoría supuestamente alucinada, siguen demostrando humanidad frente a la banalidad acomodaticia del establishment. Esperemos que este evento se perpetúe y de origen a otros similares en pro de una forma de vida más consciente.

P.D:Para conocer más del evento, su origen y ediciones anteriores revisar: http://www.ucat.edu.ve/arte_y_cultura/index.htm

SIEMBRA video performance

Performance realizado en 2011, en los bosques del parque nacional Chorro El Indio, Táchira, Venezuela. Un hombre busca redención, cansado de una humanidad egocéntrica. Un absurdo y desesperado intento por reconciliarse con la Pachamama. Video seleccionado para INTERCONEXIONES 2011, 2da Muestra Internacional de videodanza, que se proyecta en Chile, España, Colombia, Alemania, Argentina, Venezuela y Ecuador.

Reflexiones sobre el Hartismo

Los que apuestan por el establishment de las artes y a su supuesta superconceptualización, tristemente le dan la espalda al hartismo y solo lo nombran para denigrarlo, pero en esa actitud dejan en evidencia una postura tan radical como la planteada por el hartismo, haciendo por lo tanto una validación tácita del mismo, porque definitivamente todo tiene que tener su contraparte, de no ser así, se estarían apostando todos los esfuerzos a avanzar por una sola vía y si esa vía resultase errónea cometeríamos una estupidez histórica de proporciones inimaginables.
Muchos de estos artistas, curadores, teóricos y críticos del nuevo y abanderado arte dan por hecho que el acto de pintar y la pintura corresponden a procesos artesanales, afirmando que la pintura es artesanía, en otros casos que la pintura ha muerto, cuando hay pinturas con procesos de investigación y conceptualización que superan con creces cualquier instalación, video-arte o proceso relacional. Es cierto que miles de pintores pintan por pintar y eso podría asociarse a una producción artesanal pero también es cierto que muchos instaladores instalan por instalar y video-artistas que hacen video por el video y todo eso no es más que esteticismo y "carpintería", por lo tanto puede fácilmente decirse que todo ello obedece a procesos artesanales. Lo que si es cierto es que la investigación debe estar dada o contenida en la obra y no en un texto curatorial que atribuye propiedades donde no las hay.
Se habla mucho de investigación y teorización en estas nuevas propuestas de arte, pero es menester de un artista que se jacte de ello que la susodicha investigación quede reflejada en la obra y sea lo suficientemente aguda o profunda para llamarse investigación y no se limite al simple señalamiento de un tema donde solo hay algo enunciado y más allá todo queda a la imaginación del espectador o a la pericia del curador para hacerlo creíble en un texto.
Cuando se habla de investigación uno supone un trabajo insistente y tenaz sobre cierto aspecto donde se buscan las distintas posibilidades y se prueban a fondo la mayor cantidad de alternativas que el tema sugiera, ello es muy distinto a la ocurrencia. Cuando en el manifiesto hartista se dice: "Estamos HARTOS del conceptualismo", yo lo asocio con la simple ocurrencia que es totalmente opuesta a un proceso de investigación y muchos de los artistas que se dicen investigando o "superconceptuales" solo ostentan un montón de ocurrencias que hacen de su obra un archivo de intenciones que son puramente intenciones y nada más, luego puede que este tipo de artista tenga la suerte de conseguir un curador lo suficientemente habilidoso para encontrar un finísimo hilo conductor que una todas esas ocurrencias en un discurso sólido, homogéneo y además brillante, como si una ocurrencia fuera un acto brillante, y no es que no se deba hacer caso a las ocurrencias pero de la ocurrencia a la investigación hay un largo trecho.
El hartismo también ha puesto en evidencia personalidades del arte súper famosas que resultan siendo pura fachada, pura pose, cual productos de una estrategia publicitaria. No es raro que existan este tipo de figurillas, lo raro es que salgan respetables teóricos y curadores a aplaudir y legitimar sus supuestos talentos o genialidades en una suerte de show mediático. En este sentido bien valdría hacer una comparación con el mundo de la música; se sabe de sobra que no siempre los mejores músicos son los más famosos o los que suelen posicionarse en los rankings de popularidad, mientras que muchos de esos cantantes mediocres obtienen records de venta gracias al marketing...bien, pues lo mismo ocurre en el mundo de las artes visuales.
Avelina Lésper en su apreciación de la Art Basel de Miami del 2011 hace apreciaciones tajantes que apelan a una lógica fundamental y que evidencian los absurdos del mercado del arte, por ejemplo Una hoja de papel periódico arrugada y tirada en el piso que es valorada por 15 mil euros del artista Wilfrido Prieto resulta insensato y grosero, ojalá se trate de uno de los límites de la estupidez humana porque de verdad no imagino ni creo que el mercado del arte pueda ir más allá.
Cuando Joseph Kosuth realizó "Una y tres sillas" hizo un aporte interesante al arte desde el conceptualismo pero cuando después de muchos años se acuesta en la fama y se dedica a repetir una idea como si ya no le quedaran neuronas pretendiendo vender un concepto sacado de diccionario y ampliado para que parezca un cuadro en 90 mil euros ya raya en el sinsentido y en la pereza mental, lo que significa que solo está vendiendo un producto y NO obras de arte.
El Hartismo huele a radicalidad pero es consecuencia lógica de un mundillo del arte que se creyó incuestionable y que supuso tener la razón incluso cuando en muchos casos no la tenía, además legitimando estupideces por intereses mercantilistas. El Hartismo es una queja legítima, parte de nuestra época, y creo que hay que aprovechar la confrontación que plantea para afinar las perspectivas del arte actual con seriedad y quitarles ese maquillaje de sobra que las hacer ver como show televisivo dominical de entretenimiento barato.
Si bien no me sumaría a las filas del hartismo por considerarlo muy extremista SÍ considero que es el dedo en la yaga necesario y celebro su existencia.