Con las Montañas en la Maleta

 Ponencia para el 9º Seminario Bordes. Esta edición
dedicada al tema "Dispersión y Desarraigo", se realizó
en San Cristóbal los días 29 y 30 de noviembre y el 1
de dieciembre de 2018 en el Liceo "Simón Bolívar".
Se puede acceder al PDF mediante el siguiente link:
https://drive.google.com/file/d/1arTtR456PCuk2imIjaUj13IBPdW3Rwcl/view?usp=sharing

Machirí en equilibrio. Escultura para San Cristóbal

Gracias a un proyecto creado por los amigos Erlen Zerpa e Ivan Romero, impulsado por la Gobernación del Estado Táchira y desarrollado por Corpointa, me vi envuelto nuevamente en el torbellino de la creación. Esta vez consistió en realizar una escultura de grandes dimensiones para un espacio público. Lo escultórico monumental como desarrollo urbanístico es un anhelo añejo entre los artistas que hacemos vida en San Cristóbal. Y por haberlo anhelado y añejado no fui agarrado por sorpresa... era una oportunidad que había estado esperando. La idea de hacer una escultura para la ciudad era una mariposa revoloteando en mi cabeza desde hacía años. La verdad, hasta ese momento, no me consideraba escultor, porque reconozco que algunos colegas se dedican a ello con exclusividad y desarrollan investigaciones y producciones largas y sostenidas lo cual genera una forma de pensar el arte que incluye siempre las tres dimensiones, como ejemplo de ello en esta ciudad están: Annie Vásquez y sus esculturas blandas, Carlos Cruz Aceros y su escultórica de hierros y óxidos y Erasmo De Zotti con sus tallas de piedra o mármol. Pero la tridimensionalidad nunca fue una extraña en mi proceso artístico. Desde las instalaciones y los ensamblajes venía construyendo un discurso espacial propio, así, cuando la escultura tocó a mi puerta yo ya estaba presto y ansioso por recibirla, entonces ella entró a mi taller por esos días y nos sentamos a conversar: Hablamos de la ciudad y de que le convendría más, reflexionamos sobre el paisaje andino, de sus ríos y montañas, afloraron querencias, sentimientos y preocupaciones y juntos garabateamos hasta concatenar todas esas ideas y sentires con el discurso estético que he venido desarrollando desde hace bastante tiempo. Esta escultura pese a lo geométrico y a su evidente abstracción no es ajena al paisaje donde se erige. Al verla emplazada cerca de la rivera del Torbes, no dejo de sentirla como parte de su cause, su color inspirado en las aguas revueltas del río me devuelven a la tierra sobre la que he crecido, no solo yo, sino toda la ciudad, los cubos-casa se apilan-edificios y la fragilidad de un huevo-naturaleza-vida-futuro que pende temerario en la punta de una flecha me recuerda un ecosistema-alerta... así siento el contexto urbano en continua caotización, la avanzada asfáltica, la profusión del concreto, el verdor minimizado, el clima delirante... una representación sintética-polémica... dicen que cuando el río suena... las piedras de machirí... hombre versus naturaleza: la reyerta de la estupidez... hoy la tierra es negocio, otrora una diosa sagrada... el absurdo contemporáneo... construir para la destrucción... eufemismo ecológico... un intento por visibilizar lo que tenemos ante nuestros ojos... tierra roja-ferrosa... sangre simbólica... lugar para erigirse y yacer... cesaremos en tus entrañas coloradas... soñaremos cárcavas vestidas de verde... o nos iremos con la neblina...

Desde el Borde al Vacio y la Devoración

A finales de octubre y principios de noviembre se celebró en San Cristóbal, Estado Táchira el seminario Bordes en el cual muchos pensadores de distintas áreas opinaron y disertaron sobre el vacío y la devoración. Como artista plástico exploré el tema con la siguiente aproximación: En tiempos donde los mass-media promulgan todo lo contrario a expandir los límites del conocimiento causando deliberadamente un efecto de sedante colectivo, que lejos de avivar busca condicionar y neutralizar por no decir devorar, resulta significativo el estudio de las actuales prácticas artísticas, entendiendo que el arte es reflejo de su tiempo y que evidencia o pone de manifiesto las características fundamentales de la tendencia social o el contexto de donde emerge. Teniendo en cuenta lo anterior vemos como algunos sectores de las artes contemporáneas con todos sus componentes (artistas, instituciones culturales, críticos, mercado del arte y público), establecen una relación peligrosa con “el vacío” en tanto vacuidad, fatuidad y no en su sentido filosófico como camino hacia un pensamiento profundo. En la iconofagia desatada por los mass media en complicidad con el mercado, la producción de imágenes y su respectiva devoración se tornan en vorágine. Vivimos una sociedad que acaricia un proyecto de globalización signado por el capitalismo que tiene como brazo armado al mercado y las armas de este son, a través de lo publicitario, las imágenes, estas golpean a diario y sin cesar al gran colectivo que no tiene tiempo de saborearlas o degustarlas y se ve obligado a tragar, a devorar. De este torbellino planetario no escapa el arte contemporáneo, y parte de él no solo no quiere escapar, sino que milita y forma parte de él, lo impulsa gustoso, seducido obviamente por la mercantilización y los estatus que el mercado puede ofrecer a través de mecanismos como exposiciones bien publicitadas, subastas, ferias internacionales de arte, concursos y premios, residencias artísticas, publicaciones de lujo y todo ello dando como resultado posicionamiento en el mercado (el arte como producto de consumo) y legitimación. ¿Cómo aparece el vacío en este panorama convulso? Observamos en el vacío dos aristas, dos acepciones, dos caras, que si bien pueden tener fluctuaciones constantes, de la una hacia la otra, tanto por la naturaleza dinámica y cambiante del arte como por lo igualmente dinámico y cembiante del contexto social, resulta pertinente diferenciarlas para poder analizar su incidencia en el campo cultural. Conscientes del matiz maniqueísta implícito en esta distinción, consideraremos un vacío hermoso y necesario y otro pernicioso y peligroso, el segundo va en detrimento del primero. La cara hermosa es la que permite que un artista plástico manipule el vacío como elemento conceptual, que entra en el juego de la composición, el vacío de la superficie, del espacio, el vacío siempre considerado al momento de la creación. Ese vacío de la filosofía oriental que ha estado muy presente en toda la modernidad y que no suponía carencia sino un elemento más que constituye y enriquece el ser, la obra, el arte, la existencia. Dada la importancia del vacío para el arte también ha resultado una estética del vacío que actualmente se desarrolla en tres estadios del conocimiento, estos son; arte, filosofía y sicología. Nos interesa particularmente la del arte, que se inicia en la modernidad con planteamientos muy específicos provenientes de las vanguardias como el suprematismo y el constructivismo que intentaban una aproximación a la espiritualidad y al silencio, buscando en ello una armonía o un equilibro entre lo que es y no es. La otra cara del vacío que inunda al arte contemporáneo (esta es la forma que consideramos peligrosa) emerge de un conceptualismo desbocado y celebra la desaparición del símbolo. Si algo de hermoso y profundo tiene el arte es su capacidad de simbolizar y el arte contemporáneo, no todo, pero si una facción bastante visible, ha optado por una estética de la ocurrencia, de la fatuidad, de lo obvio, de lo que impresiona de momento y luego pierde la gracia, de lo sensorial por lo sensorial: de la carencia. Ese vacio que afecta al arte contemporáneo constituye la pérdida de la tradición, lo cual ya es bastante significativo, es como asistir a la legitimación del olvido y ello se debe muy probablemente a esa característica de la posmodernidad que es la adicción a la novedad o el esnobismo exacerbado que la contemporaneidad está haciendo suya adornándola con galimatías pomposas para que pase como algo ininteligible cuando la retórica no puede convertir un objeto cualquiera en algo profundo y trascendente como si se tratara de un acto de transmutación. Sí hay un arte contemporáneo comprometido con su discurso, donde obra y concepto son una unidad homogénea y compacta, pero hay otro del cual es necesario sospechar y al que puede vérsele como lo que es: un cascarón vacío.

Oleusbus / Museo del Táchira 2013

Confrontar el concepto Patria al de Matria. La muestra pretende revisar esa concepción donde la madre naturaleza era la divinidad suprema tal como lo planteaban los pueblos originarios. Entender el concepto de lo femenino desde la naturaleza y desde lo divino. Desenterrar un paisaje olvidado en las profundidades, una mirada a las cavernas, entrañas de la tierra que según innumerables cosmogonías es de donde provenimos. El barro, lo telúrico, lo mineral, y las energías subyacentes en ese subsuelo por el que hemos perdido respeto y que ahora en tiempos de crisis ambiental y ante la voracidad de los sistemas de producción se constituye en urgencia. La toma de conciencia respecto a esa otredad de la que somos parte y a la que le debemos la vida: Pachamama, Gaia, Matria. La exposición consta de pinturas de mediano y pequeño formato realizadas con materiales minerales, tales como: tierras, arcillas, carbón, azufre, entre otros. El planteamiento está enmarcado dentro del arte matérico - abstracto y plantea desde el aspecto técnico un llamado de atención respecto a los pigmentos químicos industriales versus los pigmentos naturales.

Machirí

 Esta propuesta instalativa reflexiona sobre la intervención humana en el paisaje. Se ha abordado un contexto específico de la localidad de San Cristóbal, a orillas del río Torbes, conocido como “La Machirí”, donde se dio un irregular proceso de “urbanismo” que comenzó siendo polémico, criticado y epicentro de disputas políticas. Dentro del conflicto las líneas de necesidad social y de impacto ambiental se cruzan con evidentes líneas de politiquería y mercantilismo. El proceso mediante el cual se habitó este terreno se dio bajo la figura de una invasión, actividad relativamente nueva para los venezolanos, que suele generar álgidas discusiones. Las implicaciones ambientales son fundamentales, ya que se trata de las orillas de uno de los ríos más emblemáticos de la región, mucho se ha hablado de que dicho terreno es una falla geológica, se considera inestable, además de no viable para la construcción, sin embargo de esto han hecho caso omiso las autoridades y los invasores. La necesidad de vivienda aunada al negocio que esto genera se prestó para transacciones irregulares que terminaron entre sombras, silencio y olvido. Lo que no parece tener dolientes es el paisaje. El concepto de urbanismo, en una sociedad que transa con la inmediatez y con soluciones provisionales, se queda en las aulas universitarias. En la praxis la ciudad crece vertiginosa mediante un proceso de caoticidad incuestionable. El paisaje urbano que no es un capricho estético sino una necesidad de comunión con la naturaleza, de equilibrio y armonía así como la posibilidad de heredar un mejor futuro y tener calidad de vida parece haber perdido su verdadero valor, generando panorámicas tristes donde las ciudades desde la lejanía parecen llagas purulentas sobre el planeta que se extienden cual cáncer inclemente devastando vegetación, socavando tierra y envenenando aguas. Esta muestra invita a pensar en nosotros como parte constituyente e indivisible de ese paisaje, se trata de darle la importancia necesaria y revisar la relación que tenemos con él. Quizá el arte ha desarrollado el paisaje desde un enfoque esteticista, sin embargo la contemporaneidad nos exige una mirada más aguda y crítica. ¿En que ciudades vivirán las futuras generaciones si los cimientos que alzamos hoy no se planifican? En un paisaje que es intervenido con altos niveles de entropía, solo cabe una visión caótica del mañana. Esta exposición fue posible gracias a Annie Vásquez y Alejandro Barreto de Fundajau, a Luis Contreras, Heddy Durán y Antonio Quintero del Instituto de Cultura de Cordero y a los performancistas de la Tétrica Trama teatral: Nilka Velez y Jorge Luis Dávila.

Conéctate y convive 2013, un desconectarse para vivir

Creo que participar en un evento debe conllevar a una reflexión, y es que en la participación debe haber un sentido profundo, para ser consecuente con esa idea quiero hacer una apreciación general del Conéctate y convive, con miras a discurrir o reflexionar sobre lo que hacemos, así que disertaré sobre los aspectos, a mi juicio, más interesantes de esta edición: -Que en el primer día la lluvia hubiese decidido apoderarse del espectáculo no debería ser considerado un contratiempo (aunque lo sea) y menos cuando el evento está concebido al aire libre, si bien la programación fue desbaratada y la organización tuvo que hacer malabares para cumplir la pauta, estamos obligados a entender al planeta, por ello diré que la lluvia dio un concierto magistral y fomentó el convivir bajo los ínfimos techos y más importante aún propició la conexión con el planeta que es definitivamente la conexión fundamental para que pensemos en esa ridícula frontera que hemos trazado entre el planeta y nosotros, así que los aplausos del miércoles se los dedico al aguacero. -Los módulos de exposición que sirvieron para las diversas expresiones plásticas (grafiti, pintura, instalación, fotografía, etc.) constituyen un gran esfuerzo de la organización por dignificar y mejorar los espacios expositivos para las artes, ciertamente pasaron por una prueba de fuego, más bien de agua, y no salieron tan ilesos, habrá que afinarlos, pero el formato es amplio, la disposición espacial estratégica y los materiales de buena calidad, es cuestión de algunos ajustes, pero como artista plástico reconozco el compromiso que esos módulos significaron. Son en definitiva una ganancia y una fortaleza para futuras ediciones. -Hay que subrayar y poner en mayúscula el asunto temático, es decir: LA FRONTERA, en esta oportunidad enfocada hacia los niños, niñas y adultos mayores. A diferencia de la edición anterior donde el tema también era la frontera, esta vez se sintió reflejado en las obras, incluso a nivel musical puesto que algunas bandas e intérpretes asumieron el compromiso, esto desembocó en un arte más auténtico y vital. Comenzamos a vernos y a escucharnos a nosotros mismos, dejamos de andar persiguiendo imaginarios foráneos para zambullirnos en nuestro contexto. Cuan necesario y fundamental resulta caminar nuestro vecindario. Este es el aspecto que más aplaudo de esta edición. -La diversidad fue conquistada. En total consonancia con la definición de Festival Interdisciplinario, vimos como un recital de piano puede programarse con una banda de trash-metal o danzas nacionalistas con punk rock, suena disparatado, sabe a arroz con mango… ¿Y?... ¿Por qué no? ¿De qué diversidad hablamos si el arte no se permite esas libertades? Las críticas al evento no faltarán y definitivamente no están de más, pero en nuestro contexto regional lo que sí está claro es que un espacio como este en el que confluyen diversas disciplinas artísticas y donde varias generaciones pueden expresarse es un espacio necesario y vital para un proyecto de ciudad. -Por último es loable ver como se abrió paso en medio del convulso ambiente político nacional. Durante cuatro días no supe de esa realidad en la que los juegos de poder nos involucran, de ese entramado de tergiversaciones, de dimes y diretes, de divisionismos estúpidos o ideales que me alejan de ese otro que es mi compatriota. Cuatro días de vivir y respirar arte, de compartir opiniones sensibles, hablar y escuchar de colores, formas, sonidos y lluvias. Que no se malentienda, hay compromiso y hay posición política, se trata de un ideal único regido por la libertad y la tolerancia y mediado por el arte. Se hizo evidente que la realidad que vivimos es definitivamente la que construimos y el Conéctate y convive abrió ese paréntesis, ese vórtice a través del cual podemos acceder a una realidad más auténtica y profunda. Aunque suene paradójico nos desconectamos de la “realidad” para vivir otra realidad: La que soñamos.

El florero de Llorente revisado

18 artistas se avocan a la reinterpretación y resemantización del florero de Llorente a través de una interesante convocatoria hecha por el amigo y colega Germán Jiménez Pinilla* y la Corporación Recreativa y Cultural de Santander, es un "Homenaje REGIONAL al Bicentenario de Colombia", en el que se ha propuesto la interpretación plástica del objeto histórico colombiano florero de Llorente. Los artistas harán distintas lecturas de este objeto, de su carga simbólica tejida por los hilos de la historia, desde la estética actual, para sembrar en él una planta: la de la reflexión. El texto del catálogo lo inicia de manera contundente Freddy Suárez con la siguiente frase:"Toda fecha conmemorativa conlleva a recordar el pasado para proyectar el futuro", con ello queda claro que la historia no es un lugar en el pasado sino un cruce de caminos donde los tres tiempos confluyen. Nuestro lugar en la contemporaneidad es transitar ese camino para ver y construir un paisaje completo, en toda su extensión. Algo significativo, que deseo subrayar, es que la convocatoria cruzó la frontera e invitó a algunos artistas venezolanos (del Táchira) para ampliar o incluir la mirada que viene desde "afuera". Este gesto fraterno y cordial se agradece porque aunque el episodio del florero es propiamente colombiano, la independencia de nuestros paises fue casi la misma pues compartíamos al mismo opresor. Como artista venezolano y en nombre del grupo invitado (Annie Vásquez, Rafael Sánchez y Freddy Pereyra) agradezco la posibilidad de esta mirada, de este compartir histórico para como bien lo señala Germán Jiménez en el texto de presentación del catálogo:"...cruzar fronteras visibles, vencibles e invisibles" *Organizador del evento y diseñador del afiche que inicia esta entrada.

de izquierda a derecha obras de: Annie Vásquez, Oscuraldo y Rafael Sánchez. Artistas venezolanos invitados a la interpretación plástica del florero de Llorente.

Salón Mire 3era Edición

El Salón Metropolitano de Artes Visuales celebró en septiembre de este año su tercera edición, inaugurado en la Casa de la Cultura Piedra del Sol en Floridablanca y planteándose una itinerancia por varios municipios santandereanos. Esta es de las iniciativas que uno admira porque se construyen desde la pasión, son las ganas de hacer sin importar cuan alta sea la muralla a saltar para llevarlas a cabo. Sin una infraestructura museística, adecuando un lugar (la casa de la Cultura), ampliando las posibilidades de lo contemporáneo a lo alternativo, a lo municipal. Hay que subrayar el concepto municipal, si bien las capitales se roban las miradas y parecen hegemonizar lo artístico-expositivo, haciendo eco disminuido en las capitales de provincia y olvidándose de lo municipal que termina siendo un desierto donde los ojos solo consiguen atrapar la arena en el viento. El Salón MIRE con una 3era edición nos demuestra lo contrario y no solo tiene meritos por hacer de tripas corazón sino por lograr una muestra con riqueza de lenguajes y obras de gran factura que para mayor valía se alimentan y reflejan lo local, atendiendo a esa convocatoria tan pertinente como lo es: Memoria, identidad y región. Sin duda este es un camino acertado, tanto en lo temático; que amplía la mirada local sin que lo universal se fugue, como en lo político-cultural que atiende lo municipal no porque hay que hacer por hacer sino porque se cree firmemente en ello y además con un lazo afectivo de por medio. Pareciera un evento sumamente focalizado pero al invitar a un par de artistas de la frontera Venezolana se entiende que el espectro de lo municipal es expansivo. El amigo y artista Miguel Ángel Gelvez nos ha invitado a esta edición y le agradezco a él así como a Gerardo Duque y a Henry Olarte (artistas y organizadores) la oportunidad de acercarme a esta iniciativa ejemplar, es de las cosas que merecen ser copiadas o readaptadas a otros municipios porque si bien los centros están lejos de perder su hegemonía, lo periférico no tiene porqué invisibilizarse. Se trata de generar lo alternativo, lo alternativo conlleva a lo profundo y la profundidad hace grande a un país.

Titulo: Vasija de barro / 2012 / arcilla sobre lienzo / instalación para el 3er Salón MIRE

El Teórico

Estaba pensando que el dominio de una técnica y la sensibilidad artística son frutos exquisitos que solo pueden ser cosechados si se cultivan durante años, después de haber estado a la intemperie, comido sol y tierra, bebido lluvias, soportado tormentas y sobrevivido a sequías. Tan difícil es el asunto que hay quienes dedican su vida a ello y no por la mera dedicación logran semejante cosecha, lo que implica variables extrañas de procedencia desconocida como la gracia, la inspiración o la genialidad. Este pensamiento fue interrumpido por el sonido del timbre. Abrí la puerta, nos saludamos y comenzamos la conversa. Yo hablaba mucho con ella sobre sus experiencias universitarias, venía a mi taller y mientras yo trabajaba ella hablaba de los trabajos y las investigaciones en las que se ocupaba, de los autores y libros que le mandaban a leer y siempre resultaba para mi una experiencia nutritiva intelectualmente, porque mi amiga era generosa con los detalles y la información. Un día me contó de un profesor admirado por todos, una de esas eminencias que toda facultad tiene o debe tener, un hombre que había dedicado su vida al conocimiento teórico y como buen profesor se mantenía actualizado en su área. Su cátedra: la estética. Era un hombre que vivía observando y analizando, viajaba a otros países para ver exposiciones de arte importantes y asistir a seminarios, talleres, etc. Un día mientras acompañaba a mi amiga a la universidad me mostró al famoso y distinguido profesor. El señor venía por el pasillo con un séquito de estudiantes que lo asediaban como moscas, esto no es tan extraño en los ambientes universitarios, supongo que la luz del conocimiento atrae igualmente a ciertos insectos como lo hace la luz de la lámpara. Pasaron un par de años, mi amiga se graduó, dejé de verla por un tiempo y hace unas semanas apareció con una invitación a un festival de arte contemporáneo, yo acepté con gusto. El festival tenía para ella un atractivo especial, su antiguo profesor se presentaba con un espectáculo de arte accional, el hombre que conocía los pormenores teóricos del arte había decidido hacer arte; ser artista. Esto también resultó despertando en mi gran expectativa. Estuve empatizando con el personaje en cuestión y pensé que debe ser realmente difícil pasarse la vida estudiando algo a fondo y no poder imbuirse en ello, ya que el lugar del investigador suele ser desde fuera para poder tener perspectiva, pocas veces es desde dentro ya que se nubla el juicio debido a que entra en juego el “yo” en el que suelen regodearse los artistas, estos últimos se zambullen en el arte y la gran mayoría habla del aspecto dionisíaco o de conexión con lo divino, de un algo inefable, de una inspiración, algunos de posesión, tormento, pasión, locura o un “no sé que”, que solo es posible en la praxis. Llegamos a la hora de la presentación esperando la gran propuesta, el gran despliegue artístico que este ilustre nos iba a ofrecer… el momento llegó. El hombre salió a escena, realizó algunos movimientos torpes y dijo algunas cosas sin saber proyectar la voz, al terminar mi amiga volteó a mirarme un tanto ofuscada, su mirada era más bien una pregunta, yo le respondí: _nunca había visto algo tan ridículo. Mi amiga sintió pena ajena y no entendía como alguien que sabe tanto podía haber consumado semejante bodrio. Los aplausos no se hicieron esperar, un grupo gritaba enardecido, volteé para ver quienes eran y vi que eran del séquito universitario. Miré como el pobre hombre se sentía realizado ante el aplauso ciego de sus fans. Luego pregunté entre varios artistas (personas dedicadas al ejercicio artístico durante varios años)que se encontraban entre los espectadores y todos coincidían unánimemente en que aquello era una vergüenza, lo peor de todo era que nadie sería capaz de decírselo. Esto me dejó pensando durante varios días en el abismo oscuro que separa teoría de praxis, sé que es posible tender un puente pero este solo podrán cruzarlo los que estén dispuestos a dejar atrás el lado que abandonan, parece una lógica irreductible pero supongo que también es posible que algunos se queden a vivir en medio del puente y las aberraciones también deben ser consideradas. Lo que les acabo de contar supongo, es un ejemplo de aberración, este individuo no es de los que acampan en el puente, es de los que cuelgan de una mano con los pies en el vacío creyéndose malabaristas cuando solo son patéticos aprendices de suicida.

Del arte contemporáneo y su adicción a las exégesis

El otro día supe de una exposición de arte contemporáneo que se realizaría en un museo muy reconocido y que estaba a cargo de un curador igualmente reconocido. La exposición se publicitaba como algo hipernovedoso, la vendían como lo último en arte hiperconceptual, la muestra se titulaba: “Arte inmaterial” y se subtitulaba: “fenomenología de lo que no es”, con nombres así es bastante obvio que lo que se va a ver no es convencional. Dicho curador se había hecho famoso curando exposiciones donde no había obras de arte, en lugar de obras las personas podían ir a escuchar conferencias sobre la contemporaneidad dictadas por este curador y algunos amigos suyos también curadores reconocidos. Estas conferencias eran muy bien reseñadas por los medios especializados y muy mal entendidas por el público en general, los que si las aplaudían con fervor eran los estudiantes universitarios de la facultad de arte donde este curador daba clases. Antes de asistir a la exposición busqué en internet algunos textos críticos de este curador y vi que su discurso iba mucho más allá del análisis plástico formal, más allá de lo semántico e incluso más allá de lo filosófico, leerlo era como ver un cuadro de Pollock, aunque debajo de toda la terminología rimbombante y las redacciones imbricadas podía percibirse con claridad una oscuridad insondable y eso llamó mi atención. Entonces llegó el día y me dispuse a ir a ver la muestra, dejé pasar la hora para llegar después de la inauguración y saltarme la de relaciones sociales que suelen armarse en esos eventos que poco o nada tienen que ver con arte, no es que estén mal, porque es un momento para encontrarse con amigos y artistas y escuchar o participar en unas cuantas conversaciones interesantes, pero ese día yo quería enfrentarme a las obras, tenía sed de arte y mi humor social estaba apático. Salí de mi casa y me dirigí al museo con tranquilidad, disfrutando de la brisa y el atardecer, haciendo tiempo para que el gentío menguara. Estaba a escasos metros de la puerta del museo cuando me conseguí a un amigo que venía de la exposición, traía cara de malas pulgas y vino directo hacia mi, nos saludamos y le hice la inevitable pregunta: ¿Qué tal la exposición? Este amigo es artista y conversamos mucho sobre arte, sé que tiene un criterio y una sensibilidad muy bien formadas, pulidas por décadas de oficio y experiencias, su opinión definitivamente tenía mi respeto. Contestó a mi pregunta de la siguiente manera: _No hay obras, hay intenciones de hacer algo, esas intenciones están muy pero muy bien argumentadas y eso, que es nada; es todo. Mas claro no podía ser, pero quise escucharlo explayándose y le pregunté: _¿Cómo, no entiendo? _Bueno…una de las obras es un clavo puesto en la pared del que cuelga un trozo de hilo, otra es un kit de pinceles recién comprados, otra es un estante con tarros de pintura vacíos, otra es una formación caprichosa de parafina producto de una vela que dejaron encendida, otra es la ropa curtida, manchada y sucia de un pintor, otra es un catálogo de colores de esos que dan en las tiendas de pintura, otra es un montón de tierra y hay una que es un cuarto oscuro donde puedes encerrarte y no ver absolutamente nada. _ Una que otra pareciera tener posibilidades poéticas. _El problema no es la fatuidad ni el facilismo, lo que me irritó al punto de la exacerbación es que junto a cada obra hay dos cuartillas de texto perfectamente ampliadas, gigantografías, donde cada artista se explaya en explicaciones muy detalladas de las obras que van a realizar, al punto de ilustrarnos en el cómo, cuándo, dónde y porqué. _Que mierda… (susurré) _¡Que cagada, querrás decir! Estos hijos de p!!! Quieren asesinar la imaginación, hablan de reflexión pero no nos dejan reflexionar, se creen los dueños de la idea y no siendo eso suficiente se creen dueños de las conclusiones, la madre que los parió ¡¡¡%$çÑ)/#]X}&ç?¿%K$!!çÑ)/#[X}&ç?^%!!!... Mi amigo se fue refunfuñando y maldiciendo, ni siquiera se despidió, lo vi alejarse… luego me encontré frente a un museo al cual no quería entrar, sin embargo la sed de arte no se me había pasado, por suerte recordé que esa noche había un concierto de guitarra y mientras me dirigía al concierto pensaba en que los músicos entregan sus obras al público con la mejor ejecución posible y no suelen acompañarlas con exégesis verborreicas sobre lo que las piezas deberían suscitar porqué para los melómanos simplemente esas explicaciones no son necesarias, para nada se requieren.

Brillo en la oscurana

En el mes de mayo y como parte de un evento titulado "Proyecto Luz", desarrollado por los artistas Carmen Ludene y Denis Pabón y realizado en los espacios del MAVET para celebrar el día del artista plástico, fui invitado a participar con una instalación que estuviese relacionada con este elemento o fenómeno que da origen a los colores, a la visión y al arte mismo: La luz. La obra se tituló "Brillo en la oscurana". Instalación de aspecto caótico, donde se planteó la creación de una especie de laboratorio en ruinas o un descuidado y polvoriento taller, donde un extraño ser intentaba llevar a cabo una empresa de proporciones utópicas, a continuación escribo el texto que acompañaba la propuesta y algunas imágenes del montaje:

Un conjunto pétreo deja en evidencia un esfuerzo infructuoso, una imagen propia del mito de las gorgonas, más especialmente del arquetipo medusa, lúgubre, patética y densa, del conjunto puede deducirse que algo angustioso y obsesivo se produce. Un ovoide, símbolo alquímico del mundo (lingam para los hinduistas) es el centro del conjunto, representa en si mismo el ser que anhela superar su condición, es su propia transmutación la que está en juego, la luz que emana de él se traduce como rayo de esperanza; luz- éxito, luz-vocación, luz-entendimiento. Este ser desafía su propia naturaleza, va en contra de la lógica, se ha olvidado del mundo, ha descuidado su realidad para vaciarse en el sueño, desbordarse en la realización de la idea, es una alegoría al empecinamiento, a la persistencia que no conoce de límites, es en última instancia una metáfora sublime, donde en medio de la oscurana (su naturaleza), en medio de la pesadez (el ambiente), por encima de la naturaleza protoplásmica (la materia) un rayo de luz surge de un ser cuya naturaleza no es lumínica, esta osadía es la coyuntura principal de la propuesta, es la capacidad de cambio inadvertida en cierto elemento que pudiésemos considerar estático a sabiendas de la dinámica que rige todas las cosas. Esta visión deviene autocrítica, generando la posibilidad de ser parte del denso conjunto y elaborar interrogantes fundamentales como: ¿si puede transmutar una piedra por qué no podría hacerlo yo?

El concepto iluminación desde lo divino, mágico o religioso no está excluido. En un sistema deprimente y llevado al extremo donde el caos impera y las esperanzas suelen sucumbir, un iluminado puede emerger de las profundidades de esas mismas tinieblas como resultado lógico de la ley de equilibrio universal, es un compensar de fuerzas contrarias natural a todo sistema dinámico del universo. Los puntos contrarios o antagónicos están claramente definidos: materia-cemento sinónimo de densidad y/o pesadez, luz-inmaterialidad sinónimo de elevación y/o ingravidez.

Todo el conjunto involucra la introspección, ese adentrarse en la caverna de uno mismo, en sus propias oscuridades como vía para encontrar la luz, esa que deviene entendimiento y que solo se obtiene con grandes esfuerzos.

Conéctate y convive 2012 breve reflexión

El 22, 23 y 24 de marzo se realizó el evento artístico "Conéctate y convive", en la Universidad Católica del Táchira. Este año arribó a su 3era edición. El evento se ha consolidado rápidamente y entre las razones fundamentales, además del buen desempeño de sus organizadores, resalta la necesidad primordial entre los artistas de todas las disciplinas de mostrar y confrontar su trabajo ante el público y ante la diversidad de propuestas que se generan en la ciudad. El eclecticismo impera, pintores de caballete a la vieja usanza trabajan junto a los colectivos de grafiteros que a su vez forman parte de la cultura hip hop, podemos ver en una misma tarima y en una misma noche un conjunto coral y una banda de death metal, fotografía, danza, circo y poesía también se dan cita. Espacios culturales como estos oxigenan la deprimida escena cultural de la región, le inyectan vida, la rejuvenecen. Un agregado importantísimo en esta edición fue el tema (la frontera), que si bien se pretendió que el evento fuera temático desde la 1era edición, es en esta oportunidad cuando se pudo hacer sentir con fuerza el concepto "frontera" y es maravilloso ver como la comunidad artística hace lecturas de su contexto, de su territorio, dándole mayor sentido a sus expresiones y liberándolas un tanto de los paradigmas globales, generando una conciencia artística diferente, más profunda y necesaria, un aspecto que debe seguirse cultivando sin lugar a dudas. Es de analizar el que este espacio sea generado por los mismos artistas (los organizadores lo son), la pregunta es ¿Por qué a las instituciones “culturales” no se les ocurre generar eventos de este tipo que suponen un compromiso con la ciudad y con el arte que deben promover? seguramente la respuesta sería la eterna escases de presupuesto, que entra en contradicción con el aumento de la burocracia lo que significa que el dinero destinado a la cultura es para pagar burócratas y no para artistas, una paradoja evidente y patética. Los artistas siguen demostrando que el amor al arte es lo que los mueve porque todos se presentan por una simple necesidad de expresión y eso nos plantea interrogantes como: ¿tiene futuro el arte en la región? y ¿podrán alcanzar niveles de excelencia haciéndolo de esta manera?...toda una utopía...
Los organizadores en un acto de fe y honestidad reconocieron la participación de los artistas como la mayor inversión monetaria para que este se diera, incluso más que la empresa privada... ¿Aún existirá la filántropía entre los capitalistas?...lo dudo...pero lo que si es seguro es que en una sociedad tan devaluada en valores y tan carente de sensatez, los artistas, esa minoría supuestamente alucinada, siguen demostrando humanidad frente a la banalidad acomodaticia del establishment. Esperemos que este evento se perpetúe y de origen a otros similares en pro de una forma de vida más consciente.

P.D:Para conocer más del evento, su origen y ediciones anteriores revisar: http://www.ucat.edu.ve/arte_y_cultura/index.htm

SIEMBRA video performance

Performance realizado en 2011, en los bosques del parque nacional Chorro El Indio, Táchira, Venezuela. Un hombre busca redención, cansado de una humanidad egocéntrica. Un absurdo y desesperado intento por reconciliarse con la Pachamama. Video seleccionado para INTERCONEXIONES 2011, 2da Muestra Internacional de videodanza, que se proyecta en Chile, España, Colombia, Alemania, Argentina, Venezuela y Ecuador.

Reflexiones sobre el Hartismo

Los que apuestan por el establishment de las artes y a su supuesta superconceptualización, tristemente le dan la espalda al hartismo y solo lo nombran para denigrarlo, pero en esa actitud dejan en evidencia una postura tan radical como la planteada por el hartismo, haciendo por lo tanto una validación tácita del mismo, porque definitivamente todo tiene que tener su contraparte, de no ser así, se estarían apostando todos los esfuerzos a avanzar por una sola vía y si esa vía resultase errónea cometeríamos una estupidez histórica de proporciones inimaginables.
Muchos de estos artistas, curadores, teóricos y críticos del nuevo y abanderado arte dan por hecho que el acto de pintar y la pintura corresponden a procesos artesanales, afirmando que la pintura es artesanía, en otros casos que la pintura ha muerto, cuando hay pinturas con procesos de investigación y conceptualización que superan con creces cualquier instalación, video-arte o proceso relacional. Es cierto que miles de pintores pintan por pintar y eso podría asociarse a una producción artesanal pero también es cierto que muchos instaladores instalan por instalar y video-artistas que hacen video por el video y todo eso no es más que esteticismo y "carpintería", por lo tanto puede fácilmente decirse que todo ello obedece a procesos artesanales. Lo que si es cierto es que la investigación debe estar dada o contenida en la obra y no en un texto curatorial que atribuye propiedades donde no las hay.
Se habla mucho de investigación y teorización en estas nuevas propuestas de arte, pero es menester de un artista que se jacte de ello que la susodicha investigación quede reflejada en la obra y sea lo suficientemente aguda o profunda para llamarse investigación y no se limite al simple señalamiento de un tema donde solo hay algo enunciado y más allá todo queda a la imaginación del espectador o a la pericia del curador para hacerlo creíble en un texto.
Cuando se habla de investigación uno supone un trabajo insistente y tenaz sobre cierto aspecto donde se buscan las distintas posibilidades y se prueban a fondo la mayor cantidad de alternativas que el tema sugiera, ello es muy distinto a la ocurrencia. Cuando en el manifiesto hartista se dice: "Estamos HARTOS del conceptualismo", yo lo asocio con la simple ocurrencia que es totalmente opuesta a un proceso de investigación y muchos de los artistas que se dicen investigando o "superconceptuales" solo ostentan un montón de ocurrencias que hacen de su obra un archivo de intenciones que son puramente intenciones y nada más, luego puede que este tipo de artista tenga la suerte de conseguir un curador lo suficientemente habilidoso para encontrar un finísimo hilo conductor que una todas esas ocurrencias en un discurso sólido, homogéneo y además brillante, como si una ocurrencia fuera un acto brillante, y no es que no se deba hacer caso a las ocurrencias pero de la ocurrencia a la investigación hay un largo trecho.
El hartismo también ha puesto en evidencia personalidades del arte súper famosas que resultan siendo pura fachada, pura pose, cual productos de una estrategia publicitaria. No es raro que existan este tipo de figurillas, lo raro es que salgan respetables teóricos y curadores a aplaudir y legitimar sus supuestos talentos o genialidades en una suerte de show mediático. En este sentido bien valdría hacer una comparación con el mundo de la música; se sabe de sobra que no siempre los mejores músicos son los más famosos o los que suelen posicionarse en los rankings de popularidad, mientras que muchos de esos cantantes mediocres obtienen records de venta gracias al marketing...bien, pues lo mismo ocurre en el mundo de las artes visuales.
Avelina Lésper en su apreciación de la Art Basel de Miami del 2011 hace apreciaciones tajantes que apelan a una lógica fundamental y que evidencian los absurdos del mercado del arte, por ejemplo Una hoja de papel periódico arrugada y tirada en el piso que es valorada por 15 mil euros del artista Wilfrido Prieto resulta insensato y grosero, ojalá se trate de uno de los límites de la estupidez humana porque de verdad no imagino ni creo que el mercado del arte pueda ir más allá.
Cuando Joseph Kosuth realizó "Una y tres sillas" hizo un aporte interesante al arte desde el conceptualismo pero cuando después de muchos años se acuesta en la fama y se dedica a repetir una idea como si ya no le quedaran neuronas pretendiendo vender un concepto sacado de diccionario y ampliado para que parezca un cuadro en 90 mil euros ya raya en el sinsentido y en la pereza mental, lo que significa que solo está vendiendo un producto y NO obras de arte.
El Hartismo huele a radicalidad pero es consecuencia lógica de un mundillo del arte que se creyó incuestionable y que supuso tener la razón incluso cuando en muchos casos no la tenía, además legitimando estupideces por intereses mercantilistas. El Hartismo es una queja legítima, parte de nuestra época, y creo que hay que aprovechar la confrontación que plantea para afinar las perspectivas del arte actual con seriedad y quitarles ese maquillaje de sobra que las hacer ver como show televisivo dominical de entretenimiento barato.
Si bien no me sumaría a las filas del hartismo por considerarlo muy extremista SÍ considero que es el dedo en la yaga necesario y celebro su existencia.

La Instalación

El otro día un estudiante de arte ávido de entendimiento me preguntó qué era una instalación, y aunque lo tengo claro y he instalado durante años, siempre me resulta difícil sintetizarlo de manera enciclopédica. Supe que preguntaba para poder lanzarse a la realización de una instalación y eso era sensato de su parte pues hay quienes lo hacen sin haber investigado un poco y luego terminan haciendo bodrios que tratan de justificar con términos como: efímero, reciclaje, político o protesta, conceptual, cubriendo con ello fallas de realización, un pobre compromiso técnico, malos acabados, poca investigación, un texto rebuscado o pomposo, etc, etc. Esas son las instalaciones que el público no respeta, que se suelen dañar al día siguiente de la inauguración, o las que los transeúntes le pasan por encima sin darse cuenta que están ahí y luego el artista se defiende diciendo que es un incomprendido y que la gente no sabe de arte. El asunto es que una instalación hace de un espacio otro espacio, genera una metamorfosis que a su vez resulta en "extrañidad" para el espectador, incluso este puede sentir que está adentro de la obra y no frente a ella. Esa sensación de extrañidad deviene contemplación y reflexión tal y como la propician las pinturas y las esculturas. Una instalación que el público no logre percibir no es una instalación, es básicamente un desacierto. Una instalación para hacerse presente no necesariamente debe ser estrafalaria, puede ser sutil y causar igualmente extrañidad. La instalación al igual que la pintura requiere de un compromiso técnico e incluso de bocetación y maquetación, además de una sensibilidad aguda en el manejo de la escala humana y arquitectónica, pues por falta de escala apropiada muchas instalaciones son devoradas por el espacio, y esto no quiere decir abarrotamiento del mismo ni monumentalidad, se trata de que la relación obra-espacio sea tan cercana e íntima que parezcan mellizos o amantes. Resulta interesante de la instalación lo fluctuante de sus fronteras ya que una instalación no es exclusivamente la organización de objetos, puede estar constituida por pinturas, esculturas, videos, fotografías, o todos estos elementos a la vez y es allí cuando surgen la pintura-instalación, la video-instalación, etc.
Otro aspecto importante es diferenciar la instalación de la escenografía, esta última es falsa, solo aparenta, insinúa una idea, a diferencia de la intalación que debe ser auténtica, es decir que no se instalan objetos que parezcan, se instalan objetos que son, por ejemplo; si es madera que sea madera, no cartón pintado como madera, si es sangre será sangre y no pintura roja o salsa de tomate. Otro aspecto importante es el efectismo, como una buena película no se fundamenta en sus efectos especiales igual una instalación no se fundamenta en el efecto sino en el concepto, esto sucede mucho con las instalaciones que usan tecnología y no van más allá de lo tecnológico como si lo tecnológico en el arte fuera un fin. Muchos otros aspectos entran en juego al momento de plantearse una instalación pero al final creo que lo más importante es que sea una obra que se acople al espacio y tienda a fundirse en el y en ese acoplarse, muy posiblemente, radique el éxito de la misma. Esto lo escribí para poder sintetizar el concepto instalación de manera enciclopédica y darle respuesta a aquel jóven artista, pero aún no sé como hacerlo...quizá lo remita a un diccionario de arte actual...

Pensando la ciudad

En una oportunidad concreta que tuve de pensar la ciudad (me refiero a San Cristóbal), porque los artistas solemos pensar la ciudad con frecuencia, algunas veces desde el ego y otras desde la empatía por un vinculo profundo con esta, pues sabemos que el gran museo es afuera y particularmente pienso que la mejor luz para iluminar una obra de arte es la de la luna. En esa oportunidad me propuse sintetizar la ciudad, en un ejercicio artístico de esos que uno se arma en la mente y que suelen carecer de pies y cabeza.
Casi siempre recorro la ciudad como peatón, aunque también la transito usando el entramado del transporte público, digo entramado porque si uno se lo imagína en líneas resultaría un dibujo fascinante (otro ejercicio artístico). La cuestión de recorrerla a pie es que te da una idea muy estable de sus dimensiones, de su escala con respecto a ti, incluso puedes hacer descubrimientos asombrosos como el de un semáforo que cambia tan rápido que si no corrieras jamás cruzarías la calle o uno que nunca le da luz al peatón, no hablo de realismo mágico, hablo desde la realidad perceptible del ciudadano. Volviendo a la síntesis que me propuse hacer, resultó en triángulos, en una secuencia de triángulos de distintos tamaños que se sucedían unos a otros y es que mi ciudad sube y baja constantemente y si eres peatón te das cuenta de inmediato, sobre todo por las gotas de sudor en el piso. Y no solo por su topografía irregular sino por estar rodeada de montañas, estos seres silenciosos y gigantescos que marcan nuestra psique y definen nuestro horizonte, por esa razón el triángulo era la mejor síntesis ya que evidenciaba la actividad principal (subir y bajar) y representaba lo más significativo de nuestro paisaje (la montaña). Esta simplificación se me ocurrió mientras cruzaba el viaducto nuevo de abajo hacia arriba, y en ese momento también se me vino una poesía a la cabeza: cruzar el puente / nos aleja del río / los pies tienen sed. Cuando una poesía se me presenta de forma tan inusitada suelo anotarla de inmediato aunque por lo general no llevo conmigo papel y lápiz así que termino repitiéndola una y otra vez mientras llego a casa lo que provoca en las demas personas caras extrañas. El problema ese día fue que regresé de nuevo por el viaducto, esta vez de arriba hacia abajo y mientras hacía eso y contemplaba el paisaje y repetía el poema se me ocurrió otro poema que decía: despierten aletargados / las montañas / nos observan. Me encontré en una situación muy incómoda, sabía que no llegaría a casa repitiendo los dos poemas, enredaría uno con otro y opté por llamar a unos amigos artistas y con ellos los ecribimos allí mismo en el viaducto. No se exactamente que clase de ciudadano soy pero si se que mi ciudad no se piensa desde una estética profunda, eso suele turbar a ciudadanos como yo.

La Expansión de la pintura

El otro día, mientras estaba acostado en el piso del taller, esperando a que una capa de materia que le había echado a un cuadro se secara, me di cuenta de lo manchado y curtido que estaba el piso, eran capas y capas de materia pictórica que se habían acumulado durante años y generaban una textura caprichosa de color grisáceo. Lejos de parecerme feo me pareció interesante, pues ese piso manchado era un testimonio de trabajo, de vida, de tiempo, historia...
Al fondo, recostado sobre unas tablas y puesto directamente sobre el piso se encontraba un cuadro recién acabado y me di cuenta que al contacto con el piso su formato o sus límites se expandían, se fundía con el piso por estar hechos de la misma materia, más aún; de la misma esencia. Fue entonces cuando visualicé ese piso manchado como una gran obra de arte. Me quedé un buen rato recorriéndolo con la mirada y de pronto, en ese proceso de reconocimiento y de contemplación, la mirada subió por las paredes y descubrí montones de objetos igualmente curtidos; una silla manchada, potes de pintura chorreados, acumulaciones de material dignas de un planteamiento tridimensional contemporáneo, desechos recogidos de la basura o de la calle que se apilaban esperando su turno de formar formalmente parte de una obra de arte cuando desde el momento mismo en que decidí guardarlos para ello por reconocerles algún atributo o propiedad estética ya había iniciado su transformación o por lo menos su resemantización, pues al verlos desde otra perspectiva y apreciarlos no por lo que son sino por lo que podían ser o significar ya iniciaba su transmutación. De esa manera entendí que la pintura nunca ha estado contenida en lo que llamamos formato, que su naturaleza es totalmente transgresora, no reconoce límites ni fronteras, no pide permiso y avanza con tanta estrategia que parece usar al artista como medio cuando se supone que es al contrario. En ese descubrir “la expansión de la pintura” me asombré cuando vi que subía por mi ropa. Mis zapatos ya eran parte de su territorio, los pantalones, la camisa y más sorprendente aún, ¡¡MI PIEL!! Sí, mis manos estaban curtidas, eran pintura, eran arte, me vi envuelto o devorado por un monstruo de mi autoría al que había ido alimentando a través del tiempo. Temiendo por mi libertad corrí a refugiarme en un búnker al que el arte no tendría acceso, en el que podía ser íngrimamente yo, era una trinchera o facción de libre albedrio donde la pintura no me alcanzaría, ese lugar era mi mente. Si usted está leyendo este texto, producto de mi mente, notará que habla de pintura, eso quiere decir que he sido vencido, creo que ya ni mi alma, ni mi espíritu se encuentran a salvo, he sucumbido al arte en una batalla que definitivamente hay que librar para perder.

LA MIRADA CAÓTICA

En el 2010, realicé una exposición titulada "la Mirada Caótica" compuesta en su mayoría de pinturas, se realizó en una galería de San Cristóbal, donde me prometieron un catálogo para el cual escribí un texto que apoyaba y exponía mis ideas sobre la obra en cuestión, ha pasado más de un año y supongo que el catálogo era sólo una promesa, por eso he decidido publicar el texto aquí, porque las ideas se escriben para ser compartidas:

"La Mirada Caótica, es una muestra de pinturas-dibujos donde el espectador queda enfrentado a conceptos cercanos a la teoría del caos, tales como fractales, holones, secuencias numéricas, sistemas dinámicos, entre otros.
Usando una abstracción-geométrica, que no constituye una simple propuesta de expresionismo abstracto ni una estética meramente formalista, se establece un diálogo o puente entre arte y ciencia, lo cual estimula al observador a lecturas y análisis más profundos.
Si bien arte y ciencia habitan esferas bien diferenciadas en nuestra sociedad actual, teorías como la del caos han generado un inevitable encuentro, pues tratándose de visualizar el complejo paisaje del universo y entender su funcionamiento, la ciencia desde su lógica y el arte desde su intuición hacen mayores las posibilidades de completar dicho cuadro.
En algunas pinturas que constituyen este proyecto podemos percibir un módulo o partícula que se repite en el espacio con una lógica geométrica, pero extrañamente al ir aumentando las secuencias comienzan a aparecer diseños inesperados cuando se supone que deben comportarse de igual manera hasta el infinito, como es el caso de los fractales regulares. En la repetición de este módulo se generan holones, esas totalidades que caben en otras totalidades, estos conceptos tomados por las ciencias modernas son deudores de antiguas filosofías orientales, como el diagrama taoísta donde los opuestos difieren en color pero no en forma y ambos se complementan para generar un círculo perfecto, es decir, un todo o Tao. Las Pinturas en cuestión fueron realizadas fundamentándose en este esquema; el dibujo subyacente y lógico se contrapone a una pintura intuitiva y caprichosa, sin embargo puede notarse en todas las obras que hay puntos de encuentro que se hacen evidentes, esto constituye una paradoja de como arte y ciencia avanzan hacia un mismo horizonte y al mismo tiempo hacen posible la comunión entre opuestos.
La mirada hacia la tierra sigue siendo un discurso recurrente en la obra, pues la tierra, nuestro planeta, forma parte y es en si mismo un sistema dinámico, incluso podría tornarse caótico dada la manera infame con la que solemos tratarlo. Cabe recordar la etimología de geometría: geo; tierra, metría; medida, de allí una relación de la que es importante hacer conciencia pues todo lo medible es finito y el sistema imperante de producción – explotación parece olvidarlo constantemente.
Si bien no se espera que el espectador sea un entendido en matemáticas o física avanzada, ya que el artista tampoco lo es, la intención es generar un acercamiento o producir inquietud por áreas de conocimiento que requieren de mentes abiertas y que evidentemente constituyen un camino hacia una libertad inusitada."

Ese fue el texto, se trata de un modesto acercamiento al estudio de los sistemas dinámicos caóticos, mi interés por ello deriva de cierta paranoia que me sobreviene cuando observo la realidad en que vivo, mi entorno, la sociedad, y descubro que todo tiende a caotizarse sin que le prestemos mucha atención...debe ser porque nosotros mismos somos el caos, esa idea me reconforta porque significa que la obra es pertinente.

Detalles del montaje de "La mirada caótica"

si el artista entiende su obra a la perfección y se le ve contemplándola es justo decir que se trata de un egocéntrico o un narcisista, pero cuando el artista no enteinde del todo lo que hace y se le ve en esa actitud contemplativa es justo decir que es un ser sombrío en busca de luz, lo realmemte terrible es un artista que no contempla lo que hace, ese probablemente no es un artista, lo más seguro es que se trate de un farsante.

¿DIBUJAR O DESDIBUJAR?

Pensando en los procesos que forman parte de la creación de una obra de arte, me detuve a pensar en el dibujo y lo vi grande, incluso más que los otros procesos , y empecé a sentir que era el eje central sobre el que pivota la creación artística…inmediatamente pensé si habría obras que prescindieran del dibujo y lo primero que vino a mi mente fueron los expresionistas abstractos y los gestualistas que no planificaban , que sólo vertían sin prever, luego deduje que el dibujo no es mera planificación ni mero proceso, ciertamente en las artes académicas era, metodológicamente hablando, el primer paso; el boceto, pero eso ha cambiado, la academia no sólo lo convirtió en el inicio del proceso de donde deriva todo diseño sino que siempre, desde el principio de los tiempos fue un fin en si mismo, y vinieron a mi mente los petroglifos de mis ancestros aborígenes y de cómo dibujaban cosmogonías que hoy aún resultan indescifrables como si nos hubiésemos analfabetizado…y es que escribir supone un dibujar. Pero cuando se dibuja un boceto o se diseña dibujando la racionalidad pareciera ser la constante, busqué antagonismo y recordé la escritura automática de los surrealistas y de como algo se volvía dibujo sin ser planeado , me remonté a los dripping de Pollock que generaban un dibujo enmarañado pero que a su vez era pintura, entonces ya no vi con claridad los límites entre dibujar y pintar…en ese momento comenzó a llover y observé el impacto de las gotas contra el suelo donde el resultado suele ser un dibujo, también recordé que cuando despierto en medio de la noche busco con desespero entre las sombras una línea reconocible; la de la puerta, de la cama, de mis manos, y es como si en ese reconocimiento fuera dibujando la realidad, parece obvio pero nuestra realidad es dibujable toda, lo que no se pueda dibujar quizá no sea de nuestra realidad y en ese proceso de dibujar generando realidades hemos dibujado hasta los sonidos para hacerlos nuestros, aunque esa idea de pertenencia es imperfectamente humana pues el hombre a través del arte ha dibujado otras realidades y no por eso le pertenecen, aunque también es cierto que son realidades derivadas de nuestra realidad, sin embargo el dibujo juega un papel crucial para asir estas supuestas otras realidades. Un niño primero dibuja luego colorea y en ello ¿sigue alguna metodología? aunque pensándolo bien creo que cuando un niño rellena una hoja de líneas de colores no hace distinción entre dibujo y pintura, quizá sea un error separar el dibujar del pintar o del moldear, esculpir, tallar, ensamblar, instalar…pero el dibujo como esqueleto de cualquier idea supone lo que subyace de forma inalienable, una segunda instancia en la materialización de la idea, entendiendo como primera los procesos químicos y eléctricos que se generan en el cerebro… entonces comencé a verle dibujo a todo lo que me rodeaba; el piso, las paredes, la casa, la ciudad, el cielo, el planeta, las constelaciones… recordé varios autorretratos y me sentí dibujo, pensé que incluso un ciego tendría que dibujar a través del tacto la realidad, en esa línea de pensamiento supuse que lo que no puede ser dibujado no existe, es como si para diferenciar una cosa de otra nos viésemos obligados a delimitarlo con un contorno, ¡¡las malditas fronteras!!...pero creemos que definimos al universo en una cruzada por lo concreto, donde la gran arma es el dibujo pero todo lo que hemos dibujado sufre de anamorfosis, un miedo absoluto a las desvanecencias, a las fluctuaciones, al desdibujamiento que no es sinónimo de la nada… entonces me visualicé en una realidad donde los dibujos no existían, ¡¡nada tenía dibujo!! Y vi como me deshacía, el entorno también se deshacía, yo me volvía parte de todo, ya no había un yo, no habían cosas en plural, sólo había todo en singular, no habían colores, sólo color, era una oscuridad hermosa, densa e inconmensurable como nunca la había soñado.

UN ENCUENTRO MUNDIAL DE ARTE CORPORAL

Hace poco, fui invitado a un encuentro mundial de arte corporal, se desarrolló a finales de la primera década de este siglo, en la ciudad de Caracas. Este tipo de encuentros supone la confluencia de personas bastante extrañas, no es que ellas sean extrañas en si mismas, salvando las excepciones, sino que su oficio es, precisamente, hacer que las personas se vean y se sientan extrañas, es decir que se dedican a la "Extrañidad".
"La Extrañidad" es un concepto bastante común en las sociedades actuales, tan, pero tan común que pasa desapercibido o peor aún se le tiene por común, el ser social se ha dedicado tanto al absurdo y a las incoherencias que cree que el sistema societario donde vive es lógico y coherente cuando es de una incongruencia inconmensurable, al punto de tener que generar expresiones artísticas como el arte corporal en donde los artistas hacen un gran esfuerzo por hacer de un cuerpo común uno no común en busca de sacudir el ya mencionado aletargamiento, pero en estos eventos se ha evidenciado que los artistas y el arte corporal no logran en absoluto sacudir el árbol y menos aún tumbar los frutos, ya que el público aletargado en lugar de horrorizarse con tales creaciones se regocija en ellas e incluso las aplaude, es entonces cuando los artistas de la "Extrañidad" nos preguntamos ¿Qué está pasando con nuestro arte? ¿Cuál será la extrañidad requerida? ¿Acaso lo único que hemos hecho es cambiar el lienzo por el cuerpo? ¿No basta con ver en el otro deformado o transformado nuestra propia deformidad? ¿Somos contribuyentes de un caos demencial?...respecto a esta última pregunta, la lógica dice que un clavo saca otro clavo, un virus se elimina con otro virus y el supuesto es que el caos demencial puede combatirse con más caos demencial, en esa medida los artistas que transformamos cuerpos humanos en otras cosas, al impregnar cuerpos de nuevas semánticas o resemantizarlos por la confluencia de símbolos, deberíamos producir el shock anhelado...
a veces me pregunto si esa sola pretensión no me hace culpable, en gran medida, de tanta demencia...no digo que la demencia sea mala o buena, no es mi intención hacer del arte un hecho maniqueista, es sólo que un día de estos veremos en el espejo al ser que hemos deformado durante siglos y creeremos que somos él.

UN COMENTARIO

En una exposición de arte contemporáneo, un espectador se acercó al artista expositor y escuchó que alguien le hacia el siguiente comentario:

-tu trabajo no me dice nada, tendrías que abrir los ojos y ver lo que están haciendo en otras partes del mundo, los imaginarios que propones los presentas poco argumentados y se levantan sobre una base política que evade en gran medida la posibilidad de democratización de la idea en torno al contexto social, esquivando el tema primordial y coaccionando la posibilidad de reflexión alrededor de las relaciones identitatarias que la podrían validar. Ciertamente lo formal puede estar sólido pero eso desde una perspectiva actual no interesa tanto como lo que subyace bajo ese discurso levemente planteado que reconozco; tiene, o mejor dicho; puede desembocar en una problemática sustancial con imbricaciones políticas atractivas, sin embargo estás bastante alejado de una solución de este tipo y lo que muestras se ve subjetivado por formalismos que generan ambiguación en lo que a la idea central se refiere, como te decía antes; el enfoque del asunto se esfuma con demasiada prontitud cuando podría o debería alcanzar lecturas más extensas e intrincadas sin que por ello tengas que recurrir a un hermetismo exagerado de esos donde nadie sabe de que se trata nada. Es claro que la dirección está bien demarcada y el camino es válido pero te repito que le hace falta mucho, te puedo recomendar algunos textos y autores que pueden ser de gran ayuda...

El espectador esperó a que esta persona se fuera, se acercó al artista y le dijo:
me gustó mucho su trabajo aunque no lo entiendo del todo.

CUADRO NEGRO

El otro día fui a una exposición de pintura, se trataba de un artista contemporáneo del interior del país, venía de una lejana provincia, tan lejana que muchos ni siquiera sabían que era parte de nuestro mapa. A estas exposiciones de provincia uno suele ir más por solidaridad que en busca de algo interesante, porque hay la miserable creencia de que el buen arte sólo se gesta en los grandes centros urbanos, en una época remota ese pensamiento se hubiese podido justificar, pero desde la aparición de internet...bueno...hay que ser muy tapado para seguir pensando de esa manera. Llegué a la galería y el sitio estaba vacio (me refiero a gente) era todo para mi sólo y eso me encanta, pues puedo tomarme el tiempo y el silencio necesario para abrirme. Durante el recorrido , cuadro a cuadro, me detuve en uno particularmente oscuro, estaba hecho con muchos matices de negro pero los cambios eran casi imperceptibles, era una mancha negruzca densa y aparentemente carente de sentido, una lectura rápida erraría al decir que se trataba de gestualismo, o informalismo... o mero formalismo, o expresionismo abstracto, o abstracción pura, o quizá colorismo...¡NO! esto era otra cosa. Aprovechando que el lugar estaba solo decidí palpar la superficie con mis manos, cerré los ojos y la recorrí suavemente, de pronto sentí algo que sobresalía, como un pezón, abrí los ojos y me concentré en ese detalle, me aseguré de que seguía solo y hundí aquel abultamiento, entonces sonó un timbre, y una voz de detrás del cuadro me preguntó: ¿quien es?, no se por qué motivo o razón me dio por responder: la vieja Inés. Acto seguido salí corriendo sintiéndome como el niño aquel...lo cierto es que aunque yo reaccionara con gracia fue una experiencia muy macabra. Volví a la galería unos días después para indagar más en el asunto pero al entrar vi que ya habían desmontado aquella muestra y ahora mostraban a un artista medio conceptual, de esos que colocan escritos y letras en lugar de cuadros, en la pared donde antes estaba aquel cuadro negro, se podía leer un texto que decía; "los caminos del señor son inescrutables", entonces corrí a la recepción para pedir un catálogo de la exposición anterior y me dijeron de forma sepulcral: lo lamentamos pero no se hizo por falta de presupuesto.

ARTE CORPORAL - Dialogo del artista con una extraña piel

Comenzaba a recibir, mas a menudo, invitaciones para realizar trabajos de pintura corporal, al público le parecía algo bien recreativo y de un voyeurismo refinado, y a los artistas les parecía lo mismo que al público, sólo que ellos entraban con ventaja porque estaban en primera fila. En una de esas oportunidades, mientras pintaba a una taciturna modelo, escuché que esta me preguntaba algo que no entendí muy bien... hice un ruido cualquiera como respuesta pues necesitaba terminar con los detalles que en ese momento me ocupaban, la miré a los ojos y vi que seguía tan callada...como si no hubiese preguntado nada, proseguí y volví a escuchar su voz... fue extraño porque su voz no era la misma que había oído hacía un rato, sinceramente era una voz que no se ajustaba a su emisor, sin embargo me pareció interesante porque se ajustaba perfectamente al trabajo que estaba realizando, y mientras seguía coloreando sus poros, tuve el siguiente diálogo con ella:
el artista:-¿por qué de pronto te vuelves tan conversadora?
ella:- es porque el trabajo está avanzado al punto en que yo ya puedo hablar
-lo dices como si quisieras saber algo
-ciertamente tu como artista no estás al tanto de muchos detalles que conciernen a mi corta existencia y que definitivamente son tu responsabilidad
-yo sólo ejecuto una acción en función de una idea que porta un discurso y a su vez propone una estética
-se que sabes de mi condición efímera, pero de mi auténtica muerte estas tan lejos...
-eso suena funesto y dudo que este sea un asunto trágico, deberías asumirlo como una celebración, en definitiva las fotos quedan y serás en ellas...no?
-no es lo mismo, cometes el error de los historiadores, das demasiada importancia a la narración y te olvidas del aire que supone cada poro...
-pero no eres piel... eres pintura
-sigues errando en tu apreciación, ni soy pintura, ni soy idea, ni soy discurso, ni soy estética, aunque todo eso me constituya...soy piel...una piel otra
-pero...la piel es de ella, ella se presta para este acontecimiento, ella es lo que es aunque quede por un momento disfrazada de otra cosa...
- adviertes aspectos importantes; el acontecimiento, es decir, mi nacimiento, ella sólo es modelo, es mansuetud, en gran medida impavidez, bella como las estatuas de mármol de la antigüedad, es medio o canal, vaso comunicante, la pontificia...pero...el disfraz, ese es el que cuenta, ese soy yo, es la realidad en tránsito.
- hablas como el maquillaje del payaso, creo que esto es otra cosa...
- ¿mentas a mis parientes y no te reconoces como mi propia familia?
-no doy con tu punto, se ha vuelto un abismo para mi y ya va siendo hora de la inauguración, creo que no podremos seguir este diálogo y es lamentable para mi pues dejas un terreno anegado de dudas e interrogantes...
-me despido entonces con la prestancia de un poro , pero recuerda que la piel que soy, conforma un cuerpo artístico que habita como un lampo en los laberintos de la memoria, donde las realidades palidecen de miedo y los artistas caducan mentalmente.

EL HABITÁCULO INEFABLE

OSCURALDO

Se abren las puertas de la nada y te quedas parado en el umbral a sabiendas de que tarde o temprano entrarás... observas el transitar de las imagenes en ese espejo que no es espejo y crees que el reflejo es testigo veraz de tu ser, cuando realmente te sabes engañado pero decides jugar el juego porque es para eso que vives, sin que creer a ciegas sea una condición sine qua non...entonces decides ir en busca de las imagenes, para darles nombre y cuerpo como si lo necesitaran, como si fuese tu deber, una especie de responsabilidad cósmica ligada al karma que sientes en tus abismos, pero no en el más oscuro de todos, donde sientes que ya no sientes nada...así has decidido errar, a propósito de tus virtudes que no son mas que tristezas que agudizan tu percepción de una realidad que sabes te requiere tanto como requiere una hormiga a un oso hormiguero... y es en esa relación donde celebras la más alegre de tus fiestas, la que te emborracha y libera, en medio de las miradas extrañadas de los que no perciben tu locura...¿dónde descanzarás de tanto cazar imagenes? ¿cuándo darás con la bestia que rompa tus redes y esquive tus balas? ¿cómo sabrás que todo ha terminado?